Bruce Spingsteen "Magic" - Born to enjoy

Es curioso el tema de la inmortalidad en vida. Hay personas que cometen actos que hacen que reciban el típico nombre de "leyendas vivas". Quizás sea exagerado ese término, pero es algo que está en nuestra sociedad. El señor Bruce Spingsteen sería un ejemplo claro de este fenómeno.

Con más de 30 años de carrera a sus espaldas y con un buen puñado de canciones inmortales ("Thunder Road", "Streets of Philadelphia", "Hungry Heart", "The River", y un largo etcétera)el jefe reaparece tras unos últimos trabajos alejados del que es su verdadero estilo, el pop/rock épico, de sublime nivel emocional y de una intensidad única en el panorama actual. Atrás quedan el fallido "Devils and dusts" y el simpático "We shall overcome: The Seeger Sesions" y vuelve la faceta más conocida de Springsteen, esa que nos deslumbró a todos por última vez con el excelente "The Rising".

Pero hay que aclarar algo de antemano. Se ha leido mucho estos días que este "Magic" significaba la vuelta de Bruce al rock y, tras la escucha del álbum hay que rectificar e indicar que este disco es la vuelta al POP, así con mayúsculas, del boss.

Si "The Rising" equivaldría al "Born in the USA" de la nueva era de Springsteen, este "Magic" sería algo así como el "Born to run". Si bien es cierto que no llega al nivel de la que, para servidor, es el mejor álbum de su carrera, si que se podría decir que guarda ciertas similitudes como la épica, unos solos de saxo deslumbrantes, un sonido sólido, una duración medida y una producción apabullante, factores todos ellos que nos llevan a la confirmación de un nuevo clásico del jefe. Y es que así es, el señor Bruce Spingsteen acaba de entregar, 35 años después de su primer trabajo, uno de los discos más solidos de su carrera.
Quizás "The Rising" tenía mejores momentos, pero aquellos se veían conviviendo con temas menores. En este nuevo trabajo no hay ni una sola canción de relleno, y se mantiene una línea deslumbrante canción tras canción sin ningun tipo de respiro; 12 joyas que no aceptan, ni merecen, ningún pero.

Canciones de "Magic":

1º - "Radio Nowhere": este tema, que pasa por ser el más rock de todo el conjunto, es el single escogido para presentar el álbum, y eso se puede considerar, cuanto menos, como engañoso. Es la única canción puramente rock del disco, lleno de punzantes guitarras y con una producción sucia que recuerda al rock garage de los años 70. Como puntos favorables cuenta con una interpretación vocal llena de fuerza y un solo de saxofón preciso. Se trata de la canción menos conseguida del álbum, lo que demuestra el alto nivel que tiene el trabajo. A pesar de eso, es un gran rock para comenzar el disco.

2º - "You,ll be coming down": tras el sucio rock de "Radio Nowhere" aparecen un conjunto de guitarras (acústicas y eléctricas) que marcan el ritmo de una de las mejores canciones que este señor haya escrito en la última década. Pop/rock del bueno para uno de los clásicos inmediatos que nos regala este disco. Todo en ella funciona, pero como es costumbre, hay que mencionar y alabar la labor de la increible E Street Band que, no solo en esta canción sino en todo el disco, ofrecen una interpretación llena de fuerza y contundencia que alcanza su cima en un solo de saxo sublime, espectacular. Una de las canciones más emocionantes de "Magic" y uno de sus puntos más altos. Seguramenteel mejor tema del disco.

3º - "Livin' in the future": con un comienzo protagonizado por un teclado maravilloso que nos hace viajar a los mejores tiempos del boss, los de "Born to run" y "The river", este tercer tema es una nueva muestra de porque Bruce Springsteen está considerado el artista más épico, en el mejor sentido del término, de la historia. De nuevo con una faceta más pop que rock, el jefe entrega una canción dispuesta a convertirse en clásico. Con un estribillo pegadizo, con una interpretación inmejorable y con una melodía emocionante, este nuevo tema puede ser considerado, sin problema, un nuevo himno en la carrera del artista. Una canción que no puedo ni imaginarme como ganará en vivo.

4º - "Your own worst enemy": primera balada del disco. Confirmando lo que se intuía en los primeros temas, el pop es el estilo predominante en este nuevo trabajo del jefe, y esta preciosa y emocionante canción es la mejor prueba de ello. Una capacidad melódica apabullante, una interpretación excelente a todos los niveles ( especial atención al maravilloso teclado de Roy Bittan) y una producción cercana a la perfección conforman otro nuevo triunfo convertido en canción por Bruce Springsteen.

5º - "Gypsy Biker": la faceta de cantautor de Springsteen sale a la luz con esta gloriosa e intensa balada, que marca un nuevo techo en el listón del disco. Iniciada con una rasgada guitarra acústica y una harmónica inspirada, tremenda, apasionante, la canción va creciendo hasta convertirse en una de las muestras de emoción más grandes de todo el disco. Inolvidable desde la primera escucha, "Gypsy Biker" ejemplifica todo lo que se puede pedir a una leyenda de la talla de Bruce Spingsteen. Apabullante muestra de fuerza y emoción.

6º - "Girls in the summer clothes": y Springsteen quiso ser Spector. Una de las canciones más pop de toda su carrera, y el máximo ejemplo de este estilo en "Magic", narra con melancolía y emotividad los recuerdos de esos mágicos veranos que Bruce no puede, y no quiere,olvidar. Como factor principal de esta canción se debe mencionar una producción que bebe del mejor Spector y de los mejores momentos de Brian Wilson regalando al oido un muro de sonido lleno de saxos, teclados, percusiones y demás que se complementan y se unen para ofrecer uno de los temas más perfectos de todo el trabajo y una nueva obra maestra a incluir en la larga lista de Springsteen. Melódicamente perfecta, "Girls in the summer clothes" es una de esas canciones a enmarcar, absolutamente memorable.

7º - "I,ll work for your love": precioso tema pop (uno más) que no hace sino mantener el altísimo listón en el que se mueve todo el álbum. En esta ocasión, Bruce ofrece una melodía simple y sencilla, de estribillo contagioso, que la E Street Band convierte en una muestra de emoción, de nervio puro, en una nueva demostración de porque está considerada una de las mejores bandas de rock de la historia. Una sublime canción pop.

8º - "Magic": nos encontramos ante la canción más íntima de todo el álbum, ante esa faceta de cantautor de Bruce que, si bien no alcanza el nivel de la excelente "Gypsy Biker", si que se trata de un tema relajado, inspirado y que cuenta con un solo de guitarra central melancólico y precioso que embellece una canción ya de por si emocionante. En definitiva, una nueva joya acústica de Springsteen.

9º - "Last to die": tremenda canción protesta que gira en torno a un excelso riff de guitarra inicial que hace que la canción gane en dramatismo e intensidad, ayudado por una interpretación vocal llena de fuerza y emoción y un acompañamiento instrumental sobresaliente. Atención especial a uno de los middle eight más conseguidos del disco, lleno de una rabia y fuerza contenida que explota en un final que no hace sino poner un punto y final perfecto a una canción excelente.

10º - "Long walk home":uno sabe cuando una canción es perfecta si en la primera escucha consigue emocionar y cautivar. Y "Long walk home" lo hace. Estamos ante la canción más redonda del disco junto a "You,ll be coming down", una auténtica obra maestra que reune todos los elementos que han hecho de Springsteen una leyenda, una interpretación vocal tremenda, una melodía perfecta y una interpretación por parte de la E Street Band que hace que la alabanza se quede corta (especial atención al abrumador solo de saxo del siempre genial Clarence Clemons ). Una auténtica obra maestra llena de genio.

11º - "Devil,s arcade": la balada es un campo en el que Springsteen siempre se ha movido con aparente comodidad, y en esta nueva canción vuelve a demostrarlo, eso si, con una pequeña variación, y es que estamos ante una de las mejores baladas que este señor haya escrito en su carrera. La perfecta combinación entre intensidad y belleza, melancolía y dramatismo, lleva el nombre de "Devil,s arcade", una nueva joya a incluir en el repertorio y una de esas canciones que ganan con cada escucha. Maravillosa.

12º - "Terry,s song": llegados al momento de la última canción uno ya es consciente de que está ante uno de esos trabajos excepcionales que llevan marcada la palabra clásico, por eso no importa que este último tema se aleje de todo lo que el jefe nos ha ido mostrando. Se trata de una balada totalmente acústica, (piano, guitarra, harmónica y voz) dedicada a un amigo de Bruce recientemente fallecido. No es ni más ni menos que un sentido y emocionante homenaje a una persona querida convertido en hermosa canción. Un punto y final precioso.

No ha dejado de ser "el jefe" en más de 30 años y con discos así podría estar perfectamente 30 años más con ese apodo colgado sin ningún problema. Es un genio. "Magic" es un clásico instantáneo y en el aparecen alguna de las mejores canciones de Springsteen en los últimos 10 años. La emoción, la intensidad, el sentimiento, el nervio, la belleza, la fuerza, el dramatismo y la calidad de este nuevo álbum no es cuestión de magia, sino de la intacta genialidad de uno de los artistas más importantes de la historia del rock. Una de las llamadas "leyendas vivas". Que sea por mucho tiempo más.

Nota: 10

Taxman

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Andrés Calamaro "La lengua popular" - El lenguaje de los genios

¿Qué es la genialidad? Pregunta complicada. Extremadamente provocativa para los paladares más subjetivos, la genialidad es, para servidor, la capacidad extrema de colocar a alguien al límite de sus sentimientos, ser capaz de hacer que durante un solo segundo al menos, nada más exita. En el mundo del arte esta definición personal toma más cuerpo, una canción, una película, un cuadro, un libro...no son más que vehículos utilizados por una persona para llegar al corazón de otros, el mismo lugar del que salió la inspiración de sus autores.

Andrés Calamaro es un genio. Es así de simple, y sí, tan rotundo y exagerado como parece. Seguramente sea junto a Joaquín Sabina, Fito Páez y Charly García los artistas más geniales que la música española ha dado. Capaces todos ellos de seguir en vigencia en la actualidad, de que cada nuevo trabajo sea esperado como agua de mayo para sus incontables seguidores, responsables de delirios colectivos en plazas de toro, boliches, teatros o lugar en el que se produzca su subida a un escenario.

En el caso de Calamaro su trayectoria es, cuanto menos, impecable. Tras su etapa con los Abuelos de la Nada, comenzo una trayectoria individual que se saldo con muy poco éxito a nivel comercial con discos tan aceptables como "Hotel Calamaro" o "Nadie sale vivo de aquí". Tras este traspies, Andrés volvió a probar suerte con el que, a la larga, se ha convertido en el mejor de los grupos de pop/rock en castellano, Los Rodriguez. Discos tan redondos como "Sin documentos" o "Palabras más, palabras menos", junto a giras con Joaquín Sabina, llevaron a este grupo del que formaba parte también el genial Ariel Rot ha ser un éxito rotundo en países como España o Argentina. Tras la disolución del conjunto "rodriguez", Calamaro comenzó una carrera en solitario que comenzó con un album que, aún hoy, es para muchos su mejor obra, "Alta suciedad", un disco precioso, emocionante y emocionado. Tras este llegó el doble "Honestidad brutal" el que es, para mi, uno de los trabajos más impresionantes que ha dado la música a todos los niveles y lenguajes, un disco sin desperdicio y que llega a unos niveles de calidad que, aún hoy, muy pocos han alcanzado; canciones como "Te quiero igual", "Ansia en Plaza Francia" o "Paloma", así lo demuestran. Después de conquistar a público y crítica con estos dos discos, Calamaro decidió llevar a cabo una de los riesgos artísticos más grandes que se recuerdan y publicó el QUINTUPLE "El salmón". Cinco cd,s que contenian grabaciones caseras, versiones y canciones originales y que descolocó a absolutamente todos. A pesar del exceso es uno de los trabajos más arriesgados y, por muchos momentos, conseguidos del artista argentino. A partir de ese momento, Calamaro se vió inmerso en una semijubilación que terminó con varios discos de versiones, boleros en el excepcional "El cantante", y tangos en el irregular "Tinta negra", y un nuevo albúm "El palacio de las flores" con canciones compuestas junto a Nitto Lebbia y que se saldó como un rotundo éxito de público y crítica a pesar de no ser el disco que todos los fans de Calamaros podrían esperar. Pero es entonces cuando aparece el 11 de septiembre del 2007 ese trabajo que supera las expectativas y vuelve a demostrar porque Calamaro es tan grande, hablo del increible "La lengua popular".

Canciones del album:

1ª - Los chicos: si se piensa friamente, ¿hay alguna forma mejor para comenzar un disco que con una canción destinada a ser unhimno?. Seguramente no. Dejando claro desde el comienzo que ha vuelto a lo grande por la puerta del rock, Calamaro nos regala unos primeros tres minutos de una intensidad y épica deslumbrantes, obligándonos a cantar con el y a imaginarnos desgallitándonos la garganta en un estadio a sus compases. Una canción sobre los amigos que se han ido que agarra el corazón, lo agita a su merced y lo hace cantar al ritmo de una melodía electrizante. Primera genialidad apuntada.

2ª - Carnaval de Brasil: el lado mas Dylan de Calamaro aparece en este segundo tema que no hace más que confirmar el estado de inspiración divina en la que se encuentra el argentino. Una brillante letra sobre las musas y la inspiración que cuenta con varios factores a su favor, una melodía de genio, uno de los estribillos más emocionantes que se recuerdan de Calamaro y, sobre todo, una interpretación vocal que roza la perfección y consigue alcanzarla en su parte final. Segunda genialidad apuntada.

3ª - Cinco minutos (Minibar): el single convertido en clásico inmediato lleva la marca Calamaro en todos sus elementos; una melodía sublime, una letra brillante,un estribillo cautivador y una interpretación vocal de altos vuelos. Una canción redonda se mire por donde se mire. Tercera genialidad apuntada.

4ª - Soy tuyo: a uno el deberían avisar antes de plantarle en la cara una canción como esta. En la libreta que acompaña al disco con las letras y el arte típico de cada trabajo debería venir una advertencia que dijera: "precaución corazones sensibles". Porque esta es una cancion de emociones, compuesta con la emoción como bandera entre Calamaro y el maestro Joaquín Sabina (ambos firman letra y música). Y es que este dúo de artistas con mayúsculas nos ofrecen la que es, muy probablemente, una de las canciones de amor más bonitas que se han hecho en mucho tiempo. La voz de Calamaro en el tema (la mejor interpretación vocal de todo el disco)no hace más que redondear una canción dispuestaa convertirse, con total justicia, en uno de los clásicos del artista argentino. Cuarta genialidad apuntada.

5ª - Mi gin tonic:si es cierto que de la melodía de una canción depende en un70 por ciento de su éxito, Calamaro no debe preocuparse con la repercusión de este tema en absoluto. Melodía contagiosa, excepcional, la de esta canción.Recordando de manera más que evidente su etapa en Los Rodriguez (esta canción podría estar perfectamente en cualquiera de los discos del grupo y ser uno de sus éxitos), Calamaro ofrece un single en estado puro, verdadera demostración del pop que él mismo creó, un estilo propio que encuentra en "Mi gin tonic" una joya. Quinta genialidad apuntada.

6ª - La espuma de las orillas: el Calamaro más clásico hace acto de presencia en el sexto corte del disco. De nuevo la época rodriguez aparece en una canción que bebe directamente de grandes clásicos del grupo como "Enganchate conmigo" o "Sin documentos". Una letra simple pero acertada, una manera vocal de interpretarla única, y un ritmocontagioso para un tema que mantiene el listón del albúm bien alto. Sexta genialidad apuntada.

7ª - Cada una de tus cosas: mantengo la queja antes mencionada de la advertencia que deberían dar antes de que el oyente escuche este tipo de canciones. Y es que Calamaro abre la segunda mitad del disco con una canción de melodía triste pero de letra arrebatadoramente romántica. Sería repetirse el comentar que la canción encuentra en la interpretación de Andrés uno de sus puntos más altos, pero es que la capacidad de transmitir sentimientos del artistas argentina está muy por encima de la mitad. Una de las canciones más bellas, melancólicas y elegantes que ha creado el maestro Calamaro. Lágrimas arriba. Séptima genialidad apuntada.

8ª - Comedor piquetero: tras el aluvión de romanticismo del tema anterior, nos encontramos con una nueva canción de ritmo mitad cumbia, mitad rock, mitad pop; mezcla de ingredientes que culmina en otro nuevo éxito de Calamaro. Con una letra brillante y llena de referencias cómicas a la actualidad política, especialmente al tema inmobiliario, "Comedor piquetero" es una de las canciones más contagiosas del disco, un nuevo hit en potencia. Octava genialidad apuntada.

9ª - Sexy y barrigón: alucinando aún con el nivel que está manteniendo el disco hasta el momento, el oyente se enfrenta esta vez con una cancion ROCK, así con mayúsculas, con unas guitarras crujientes, una batería perfecta, y un bajo excepcional que interpretan a la perfección, ayudado de nuevo por una espectacular interpretación vocal de Calamaro,una melodía electrizante y contagiosa, culminada en un estribillo contundente y preciso.Una de esas canciones que se intuyen perfectas para el directo. Novena genialidad apuntada.

10ª - De orgullo y de miedo: por si a estas alturas alguien dudaba de la calidad como letrista de Andrés, está canción viene a demostrar que estaban más que equivocados. Preciosas frases de amor ("tarde tanto tiempo en encontrarte, habría salido a buscarte mi vida" o "que mezcla de orgullo y de miedo, ser el dedo que te toca, el que te besa en la boca, la vaina de tu cuchillo, que brille el sol en el cielo, que brille el cielo en el rio y la luz en tu ventana, adonde estamos dormidos") que se cantan con la emoción con la que solo cantan los más grandes y que emocionan como solo lo hacen los grandes. Un monumento a la emoción como vehículo de creación musical. Décima genialidad apuntada.

11ª - La mitad del amor: es dificil, muy dificil, quedarse con una canción de este disco. Se deben tener en cuenta muchos factores, el momento personal de cada uno, el momento en el que se escuche, etc. Tampoco voy a ser yo quien diga que esta canción es mejor que otra en un disco como este, en el que cada canción es especial y redonda por algo, pero debo admitir que si ha habido alguna canción que me ha emocionado de manera extra ha sido esta asombrosa, perfecta, "La mitad de amor". Con una letra que es la sinopsis perfecta de alguien que se acaba de enamorar y que descubre la felicidad tras encontrar a la mitad de su amor, Calamaro construye una canción que es un himno, ayudado por unos coros finales que hacen imposible el no sumarnos a la contagiosa felicidad que rodea todo el tema; una pieza de pop/rock magistral que se puede considerar, no la cima del album, pero si la mejor muestra del estado de inspiración suprema en la que se encuentra sumergido Andrés Calamaro. Una obra maestra.Y es que quien se puede resistir a cantar a pleno pulmón eso de "parte de mi no cambió y a la vez ya no soy el viejo Andrés que no dormía jamás, que subidón, que momento ideal, encontré la mitad del amor". Una obra maestra.Undécima genialidad apuntada.

12ª - Mi cobain (Superjoint): punto y final del disco, este último track nos devuelve al Calamaro más clásico otra vez, dejando bien claro que es el creador de un estilo obsesivamente copiado por muchos de los artistas de la actualidad. Pero hay que ser sincero, nadie es Andrés Calamaro, y esta última joya nos confirma de manera más que definitiva que nos encontramos ante el mejor Calamaro que se ha escuchado desde "Honestidad brutal". Un final emocionante y rotundo que suena a "he vuelto". Demos gracias. Duodécima y última genialidad apuntada.

Es un placer enorme poder decir que Andrés Calamaro ha regresado al candelero con una obra madura, redonda, maestra y perfecta bajo el brazo.Su "lengua popular" es la lengua de los genios. Y es que deslumbrar a través de doce joyas de pop, rock, rancheras y demás estilos que se dan cita en este trabajoestá al alcance de muy pocos. Emocionar durante cuarenta minutos sin descanso, hacer que se pase de la sonrisa a la lágrima en cuestión de segundos es algo que no se puede explicar con palabras...eso debe ser la genialidad. Gracias Andrés por compartirla con nosotros.

Nota: 10

Taxman

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Paul McCartney "Memory Almost Full" - Bendita Memoria

Puede que este mayor. Puede que su voz no esté como antes. Puede que utilice demasiadas canciones del repertorio beatle para ganarse a la gente desde el comienzo en sus conciertos. Puede que últimamente se le vea más en revistas del corazón y periódicos sensacionalistas que en artículos musicales. Pero es el mejor compositor vivo que tenemos. Ni más ni menos. Así de simple.

Tras cuatro trabajos de resultados desiguales (el maravilloso “Flaming Pie”, el irregular “Driving Rain” y su gran última obra maestra, “Chaos and creation in the backyard) en los cuales quedaba demostrado ante todo la libertad absoluta creativa y la madurez y tranquilidad, sin dejar de lado el riesgo, con la que McCartney afrontaba esta inspiradísima nueva etapa de su extensa carrera (desde los 60 creando clásicos), llega este “Memory almost full” para confirmar un estado de gracia permanente de una de las denominadas, leyendas vivas de la música. La gente así lo ha intuido y ha hecho que este nuevo trabajo se convierta en el más vendido de esta última etapa, en sus primeros días (160.541 copias en el día de salida solamente en Estados Unidos) superando al ya mencionado “Flaming Pie” (121.000 discos en un día).

Hablamos de un disco basado, en lo musical y sobre todo en lo lírico, en el pasado, en el paso del tiempo, en el recuerdo de mejores momentos. Cada canción parece compuesta y ejecutada desde la inspiración que dan los recuerdos de un artista que ha vivido casi todas las épocas musicales y sociales más relevantes de este loco mundo. Sabiéndose uno de los máximos referentes en el mundo de la música, McCartney no duda en demostrar a lo largo de todo el disco su estatus como persona normal, como hombre que echa de menos a amigos, épocas más felices, y que mantiene la sonrisa gracias a un pasado glorioso que hace que su presente sea igual. No importa que esté pasando una de las etapas más difíciles de su vida a nivel personal, McCartney nos regala un muestrario de canciones optimistas, de buenos sentimientos, del poder casi terapéutico del pasado y, sobre todo, de esperanza. Y lo hace con una sinceridad inusitada en su carrera; nunca antes había cantado de manera tan desgarrada, tan de verdad, tan olvidada de grandes demostraciones vocales (que aún así aparecen en el disco), con una voz centrada únicamente en transmitir un cúmulo de sentimientos alegres capaces de hacer sonreír a la persona más triste. Nos encontramos al que es, sin duda, uno de los discos más optimista, y a la vez melancólico, de este genio.

Tal vez porque el trabajo de Nigel Godrich en “Chaos and creation in the backyard” fue tan sublime y perfecto, la producción de David Kahne (productor de U2 y Springsteen entre otros) parece estar un poco por debajo del nivel del disco. Kahne deja claro y demuestra que quiere que el protagonismo sea entero para las canciones de McCartney, pero la producción se podría haber utilizado de mejor manera si se hubiera intentado dotar a los temas de trazo sonoro más fino, de una sofisticación mayor; eso sin duda habría engrandecido unas canciones que ya de por si son, en su mayoría, enormes. Mínimo punto débil para un disco repleto de logros.

CANCIONES

1º - Dance Tonight (2:54): tres golpes de batería y una maravillosa mandolina abren el álbum con una delicadeza y sencillez envidiables. No tarda entonces en aparecer una de las voces mejor dotadas para cantar este maravilloso estilo de música llamado pop. El primer tema del álbum es esta maravilla de menos de tres minutos, tan alegre, tan simpática y tan sencilla que no ha tardado nada en recibir el denominado sello made in McCartney, término que engloba adjetivos como cursi, típica y fácil. Pero yo me pregunto, ¿si es tan fácil la escritura y composición de este tipo de temas, por qué nadie es capaz de hacerlo como McCartney? Una maravillosa introducción, pegadiza y optimista. La mejor manera posible de comenzar un disco.

2º - Ever Present Past (2:57): con un riff de introducción complejo y distorsionado, el segundo tema no tarda en convertirse en una pieza de pop magistral. Con una letra que protagoniza de nuevo el tiempo, McCartney construye unas estrofas de notable calado melódico para conquistarnos al minuto con uno de esos estribillos efectivos y alegres que se pegan a la cabeza de manera inconscientes (“the things i thnik i did, i d.i., i d.i., when i was a kid…”). En definitiva, la que ha sido elegida single de difusión en América (en Europa ha sido “Dance tonight”) es una de esas canciones pop perfectas que McCartney hace como nadie.

3º - See Your Sunshine (3:20): con una maravillosa introducción que conquista al oyente en la primera escucha, este tercer tema del disco nos recuerda melódicamente al mejor McCartney de los ochenta (“Tugo f war”, “Flowers in the dirt”) en las majestuosas estrofas y al mejor McCartney de la etapa Wings (“Wings at the speed of sound”, “Red rose speedway”) en un estribillo genial. Como puntos flojos tenemos un middle eight que no hace justicia con el resto de la canción y una letra demasiado simple, pero esos dos fallos no son suficiente para no considerar esta “See your sunshine” como uno de los puntos altos del disco.

4º - Only Mama Knows (4:17): primera reverencia ante el genio. Que canción. Que impresionante es que este hombre aún componga temas así. Tras una introducción protagonizada por una sección de cuerdas que interpretan una melodía espectacular, McCartney demuestra lo grande que es, también, en el género rock. Un riff mitad blues, mitad rock, da paso a un conjunto de guitarras, batería y voz enormes, perfectas en cada nota, en cada giro, que desembocan en el estribillo más conseguido del disco y en uno de los mejores que Sir Paul ha otorgado a ese género del que, según dicen avispados críticos, no es para nada un especialista. Tras la energía y la fuerza del tema, aparecen de nuevo las cuerdas para cerrar una canción espectacular. Un regalo. Un single en potencia. En definitiva, una de las mejores canciones que ha entregado McCartney en décadas.

5º - You Tell Me (3:15): y tras cuatro animadas piezas llega la primera balada del disco. Una canción que parece sacada de los momentos más conseguidos de “Driving Rain” y que encajaría a la perfección en discos como “Venus and mars”. Una producción austera complementa a la perfección una letra maravillosa y una melodía oscura y ensoñadora que protagonizan la que es una de esas maravillosas baladas que ofrecen la garantía de estar firmadas por el gran especialista del género, Paul McCartney.

6º - Mr. Bellamy (3:39): la canción más experimental, más sofisticada y más compleja del disco es, también, uno de los mayores logros de este nuevo trabajo. Con una orquesta que acompaña a una inspirada (como en todo el disco) voz, con una letra notable y con unos giros de estilo en los que se mezcla el McCartney beatle, el McCartney en solitario, y sobre todo, el McCartney de experiencia en música clásica, “Mr. Bellamy” es una de esas ocasiones en las que se demuestra el gusto por la innovación y el riesgo que aún existe en el proceso creativo de un artista que ha demostrado todo y, aún así, no deja de innovar dentro de su propio estilo. Un gran riesgo, una gran canción.

7º - Gratitude (3:19): siguiente parada en el mundo de baladas mccartnianas. Y es esta una canción que engaña. Puede parecer en las primeras escuchas una de esas canciones en las que McCartney pone el piloto automático y, simplemente, compone un tema pop sin más complicaciones. Pero hay varios factores que engrandecen una canción que tiene varios puntos débiles claves como una melodía demasiado simple y una letra fácil en el peor sentido de la palabra; y esos factores son una ejecución instrumental magistral por parte de McCartney (no olvidar que el genio inglés interpreta todos y cada uno de los instrumentos del disco) que va creciendo y creciendo hasta culminar en una genial sección melódica en la que aparece una sección de viento para poner punto y final a la canción. El otro gran factor que el tema tiene a su favor es la voz desgarrada, enorme, fuerte y grandiosa de McCartney, en todo su esplendor. Un tema mucho más conseguido de lo que pueda parecer a primera instancia.

8º - Vintage Clothes (2:22): el método de composición de McCartney sufrió un cambio sustancial tras la revisión efectuada a todas las grabaciones de los Beatles para las impecables Antologías que aparecieron sobre el grupo. Para Paul significó un reencuentro con la mera y forma de crear canciones que abandonó en los 80 para afrontar nuevos retos. Pues bien, ese regreso a los orígenes ocasionó algunas de las mejores canciones de su carrera. Y esta espléndida “Vintage Clothes” es un clarísimo ejemplo de esto. Con un comienzo marcado con un teclado que parece recién salido de las mejores sesiones del “Abbey Road”, con unas guitarras que parecen interpretadas por el inolvidable George Harrison (por alusiones mando un saludo enorme a mi amigo Richi), con una voz que suena a sus mejores tiempos y con unos coros que cuesta creer que no estén cantados por el mágico trio Lennon/McCartney/Harrison, Paul ofrece una de las mejores canciones del disco y, sobre todo, una melodía genial e inolvidable, con unas estrofas maravillosas y con un middle eight más que inspirado, acompañando a un complejo y muy rítmico estribillo que termina de formar una de las mejores canciones pop de los últimos años.

9º - That Was Me (2:38): lástima que en el momento menos oportuno aparezca la que es, con diferencia, la canción menos conseguida del disco. Un sencillo rock que no aporta mucho al disco más allá de una letra llena de referencias al pasado de McCartney en la que aparecen sus mejores recuerdos (la parada del bus, el colegio, etc.). Ni la rabiosa voz de Paul, ni una línea melódica de piano en la zona central y final del tema bastante apañada salvan a la canción de ser el gran tropiezo del álbum.

10º - Feet in the Clouds (3:24): tras la pobre “That was me”, McCartney despeja todas las dudas sobre una posible decadencia del disco en su parte final con una nueva joya pop de una calidad envidiable. Melodía alegre y optimista ayudada por una genial letra en la que Paul muestra el factor que le sigue uniendo a su infancia, y es que desde entonces tiene la cabeza en las nubes. Una letra simpática y optimista que se compagina a la perfección con una interpretación vocal maravillosa ayudada por unos coros que suenan a los mejores tiempos de la E.L.O. (gran Jeff Lynne). Nos encontramos pues, ante una nueva muestra de maestría pop del genio inglés y otro de los puntos álgidos del disco.

11º - House of wax (4:59): nueva reverencia ante el genio. Nos encontramos ante la canción más dramática, más intensa, más sobreproducida y más larga del disco. Ah, y también es una obra maestra. Tema que justifica la misma existencia del disco, nuevo clásico de una carrera llena de ellos, la “casa de cera” que nos propone McCartney es un regalo para los oídos más expertos, más abiertos a la épica. Seguramente es la canción que más se acerca al espíritu de “Chaos and creation in the backyard” debido a su sutil elegancia, a su grandeza musical, a su poética lírica y a su sublime capacidad melódica. La voz de McCartney alcanza una fuerza que sobrepasa límites, la orquesta que acompaña al tema está perfecta, y todos los instrumentos que aparecen en el tema cumplen con sobresaliente sus tareas correspondientes, en especial una punzante guitarra que protagoniza dos de los mejores solos que ha tocado Paul en su carrera. Es una canción enorme, genial, exagerada, roquera, desgarradora. Es una de esas canciones por las que debemos sentirnos agradecidos a este genio de la música popular.

12ª - The End of the End (2:57): mención aparte merece este tema. Nos encontramos ante la que es la mejor canción que ha compuesto el señor Paul McCartney desde que los Beatles desaparecieran. Si, habéis oído bien, la mejor canción de McCartney desde el año 70. Y no es por su melodía (sublime, suprema, melancólica, esperanzadora), ni por su producción (magnífica, sutil, perfecta), tampoco por la ejecución del tema (arrebatador, sencillo, extraordinario), ni siquiera es por la voz de McCartney (emocionante, emotiva, inolvidable, magistral), sino por su letra, por lo que dice y como se dice. Nunca Paul se había mostrado tan vulnerable, tan reflexivo, tan tranquilo; nunca a McCartney se le había escuchado tan sincero, tan desgarrado en su extrema sensibilidad. Oírle cantar frases como “en el final del final, estará el comienzo de un nuevo día en un lugar mucho mejor, será especial y no habrá necesidad de estar triste” o su deseo de que “el día que muera quiero que se cuenten bromas, y historias de vejez…..campanas que suenen, y canciones que cantamos y amantes que se amen y que se tumben mientras escuchan canciones que cantamos” y , finalmente, “ en el final del final….no habrá razón para llorar, ni necesidad de sentirse mal…en el final del final”, es una experiencia que está más allá de lo musical, de lo melódico. Somos muchos los que llevamos toda la vida escuchando a Paul y oírle cantar con tanta serenidad, con tanta desnudez musical y vocal cosas como está es una experiencia única, inolvidable y increíblemente emotiva. No solamente es la mejor canción del disco, de largo, ni la mejor canción de McCartney en casi 40 años, ni siquiera una de las mejores canciones de su carrera, sino que no es una canción. Es una confesión. Es una emoción. Es un sentimiento. Y lo comparte con nosotros. Agradecido eternamente.

13º - Nod Your Head (1:58): para cerrar el disco, Paul decide sacarse de la manga un rock sucio y vibrante que, tal vez no aporte mucho, pero que sirve para una nueva demostración de fuerza y energía de un artista único. Quizás el mejor final del disco hubiera sido “The end of the end”, pero de todas maneras, nunca se debe despreciar un tema tan contagioso y enorme como este. Un contundente punto y final que esperemos que se convierta pronto en seguido.

CONCLUSIÓN

Algunos pueden ver en este “Memory Almost Full” la cara rockera de “Chaos and creation in the backyard”, otros un disco más en la larga carrera de McCartney, otros una fórmula para conseguir más dinero, otros un simple conjunto de canciones más para el catálogo de Paul. Yo, sin embargo, prefiero ver un disco esperanzador, unas canciones, en su mayoría, excelentes, un lujo, un regalo para nuestros oídos y corazones. Prefiero ver una nueva demostración de madurez, de excelsa creatividad y de inagotable fuerza por parte de Paul. Pero, sobre todo, veo en “Memory Almost Full” una voz emotiva, unas letras sinceras, unas palabras que son emociones. No veo a un artista, veo a una persona que busca en su memoria, bendita memoria, las claves de su nueva ilusión. Y las encuentra. Y las comparte. Veo a un genio. “Al final del final”, veo a Paul McCartney.

Nota: 9

Taxman

Esta primera crítica musical del blog está dedicada a mi gran compañero de andanzas musicales, el señor Richi, con el cual comparto una amistad a ritmo de Beatles, Eltons, E.L.O.S, y demás. Agradecido por el apoyo, los consejos y el ánimo. 1 abrazo grande compañero.

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